Edvard Munch (1863-1944) in 1902.

  • Beroep: schilder.
  • Residenties: Oslo, Parijs, Berlijn.
  • Relatie met Mahler: zie Marina Fistoulari Mahler (1943).
  • Correspondentie met Mahler: nr.
  • Geboren: 12-12-1863 Adalsbruk, Noorwegen.
  • Overleden: 23-01-1944 Ekely nabij Oslo (Christiania), Noorwegen. 80 jaar.
  • Begraven: 00-00-0000 Vår Frelsers gravlund, Oslo, Noorwegen.

Edvard Munch was een Noorse schilder en graficus wiens intens suggestieve behandeling van psychologische thema's voortbouwde op enkele van de belangrijkste principes van de laat 19e-eeuwse symboliek en een grote invloed had op het Duitse expressionisme in het begin van de 20e eeuw. Een van zijn bekendste werken is The Scream of 1893.

Edvard Munch werd geboren in een boerderij in het dorp Ådalsbruk in Løten, Noorwegen, als zoon van Laura Catherine Bjølstad en Christian Munch, de zoon van een priester. Christian was een arts en medisch officier die in 1861 met Laura trouwde, een vrouw die half zo oud was als hij. Edvard had een oudere zus, Johanne Sophie, en drie jongere broers en zussen: Peter Andreas, Laura Catherine en Inger Marie. Zowel Sophie als Edvard lijken hun artistieke talent van hun moeder te hebben geërfd. Edvard Munch was familie van schilder Jacob Munch en historicus Peter Andreas Munch.

Het gezin verhuisde in 1864 naar Christiania (nu Oslo) toen Christian Munch werd benoemd tot medisch officier bij het fort van Akershus. Edvards moeder stierf aan tuberculose in 1868, net als Munch's favoriete zus Johanne Sophie in 1877. Na de dood van hun moeder werden de Munch-broers en zussen opgevoed door hun vader en door hun tante Karen. Edvard was vaak een groot deel van de winters ziek en bleef niet op school. Hij tekende om zichzelf bezig te houden. Hij kreeg les van zijn klasgenoten en zijn tante. Christian Munch onderwees zijn zoon ook in geschiedenis en literatuur, en vermaakte de kinderen met levendige spookverhalen en de verhalen van de Amerikaanse schrijver Edgar Allan Poe.

Zoals Edvard het zich herinnerde, werd Christians positieve gedrag ten opzichte van zijn kinderen overschaduwd door zijn ziekelijke piëtisme. Munch schreef: 'Mijn vader was temperamentvol nerveus en obsessief religieus - tot op het punt van psychoneurose. Van hem erfde ik de zaden van waanzin. De engelen van angst, verdriet en dood stonden aan mijn zijde sinds de dag dat ik werd geboren. ”Christian berispte zijn kinderen door hen te vertellen dat hun moeder vanuit de hemel naar beneden keek en rouwde over hun wangedrag. Het onderdrukkende religieuze milieu, plus de slechte gezondheid van Edvard en de levendige spookverhalen, hielpen bij het inspireren van zijn macabere visioenen en nachtmerries; de jongen voelde dat de dood hem voortdurend naderde. Bij een van de jongere zussen van Munch werd op jonge leeftijd een psychische aandoening vastgesteld. Van de vijf broers en zussen trouwde alleen Andreas, maar hij stierf een paar maanden na de bruiloft. Munch zou later schrijven: "Ik heb twee van de meest angstaanjagende vijanden van de mensheid geërfd - de erfenis van consumptie en waanzin."

Het militaire loon van Christian Munch was erg laag en zijn pogingen om een ​​privé-praktijk te ontwikkelen, mislukten, waardoor zijn gezin in deftige maar eeuwige armoede bleef. Ze verhuisden regelmatig van de ene goedkope flat naar de andere. De vroege tekeningen en aquarellen van Munch verbeeldden deze interieurs, en de individuele objecten, zoals medicijnflesjes en tekengereedschap, plus enkele landschappen. In zijn tienerjaren domineerde kunst de interesses van Munch. Op zijn dertiende had Munch zijn eerste kennismaking met andere kunstenaars bij de nieuw gevormde Art Association, waar hij het werk van de Noorse landschapsschool bewonderde. Hij keerde terug om de schilderijen te kopiëren en al snel begon hij te schilderen in olieverf.

Studies en invloeden

In 1879 schreef Munch zich in op een technische universiteit om techniek te studeren, waar hij uitblonk in natuurkunde, scheikunde en wiskunde. Hij leerde tekenen op schaal en perspectief, maar frequente ziekten onderbraken zijn studie. Het jaar daarop verliet Munch, tot grote teleurstelling van zijn vader, het college, vastbesloten om schilder te worden. Zijn vader beschouwde kunst als een “onheilige handel”, en zijn buren reageerden bitter en stuurden hem anonieme brieven. In tegenstelling tot het hondsdolle piëtisme van zijn vader, nam Munch een ondogmatische houding aan tegenover kunst. Hij schreef zijn doel in zijn dagboek: "in mijn kunst probeer ik het leven en de betekenis ervan voor mezelf uit te leggen."

In 1881 schreef Munch zich in aan de Royal School of Art and Design of Christiania, een van de oprichters van zijn verre familielid Jacob Munch. Zijn leraren waren beeldhouwer Julius Middelthun en de naturalistische schilder Christian Krohg. Dat jaar demonstreerde Munch zijn snelle opname van zijn figuurtraining aan de Academie in zijn eerste portretten, waaronder een van zijn vader en zijn eerste zelfportret. In 1883 nam Munch deel aan zijn eerste openbare tentoonstelling en deelde hij een studio met andere studenten. Zijn lange portret van Karl Jensen-Hjell, een beruchte bohémien-over-de-stad, kreeg de afwijzende reactie van een criticus: “Het is een tot het uiterste doorgevoerd impressionisme. Het is een aanfluiting van kunst. " De naaktschilderijen van Munch uit deze periode zijn alleen in schetsen bewaard gebleven, behalve Standing Nude (1887). Ze zijn mogelijk in beslag genomen door zijn vader.

Tijdens deze vroege jaren experimenteerde Munch met vele stijlen, waaronder naturalisme en impressionisme. Sommige vroege werken doen denken aan Manet. Veel van deze pogingen leverden hem ongunstige kritiek van de pers op en leverden hem voortdurend berisping op van zijn vader, die hem niettemin kleine sommen voor levensonderhoud voorzag. Op een gegeven moment vernietigde de vader van Munch, misschien beïnvloed door de negatieve mening van Munch's neef Edvard Diriks (een gevestigde, traditionele schilder), ten minste één schilderij (waarschijnlijk een naakt) en weigerde hij nog meer geld voor kunstbenodigdheden voor te schieten.

Munch ontving ook de woede van zijn vader vanwege zijn relatie met Hans Jæger, de lokale nihilist die leefde volgens de code "een passie om te vernietigen is ook een creatieve passie" en die pleitte voor zelfmoord als de ultieme weg naar vrijheid. Munch kwam onder zijn boosaardige, anti-establishment-betovering. “Mijn ideeën ontwikkelden zich onder invloed van de bohémiens of beter gezegd onder Hans Jæger. Veel mensen hebben ten onrechte beweerd dat mijn ideeën zijn ontstaan ​​onder invloed van Strindberg en de Duitsers… maar dat is verkeerd. Ze waren toen al gevormd. " In die tijd was Munch, in tegenstelling tot veel van de andere bohémiens, nog steeds respectvol voor vrouwen, maar ook gereserveerd en welgemanierd, maar hij begon toe te geven aan de eetbuien en het ruzie van zijn kring. Hij was van streek door de seksuele revolutie die op dat moment gaande was en door de onafhankelijke vrouwen om hem heen. Later werd hij cynisch over seksuele aangelegenheden, wat niet alleen tot uiting kwam in zijn gedrag en zijn kunst, maar ook in zijn geschriften, een voorbeeld hiervan is een lang gedicht genaamd The City of Free Love. Nog steeds afhankelijk van zijn familie voor veel van zijn maaltijden, bleef de relatie van Munch met zijn vader gespannen vanwege zorgen over zijn boheemse leven.

Na talrijke experimenten kwam Munch tot de conclusie dat het impressionistische idioom niet voldoende uitdrukking bood. Hij vond het oppervlakkig en te verwant aan wetenschappelijke experimenten. Hij voelde de behoefte om dieper te gaan en situaties te verkennen die bol staan ​​van de emotionele inhoud en expressieve energie. Onder het bevel van Jæger dat Munch “zijn leven zou schrijven”, wat inhoudt dat Munch zijn eigen emotionele en psychologische toestand zou moeten onderzoeken, begon de jonge kunstenaar een periode van reflectie en zelfonderzoek, waarbij hij zijn gedachten vastlegde in zijn “zielendagboek”. Dit diepere perspectief hielp hem naar een nieuwe kijk op zijn kunst. Hij schreef dat zijn schilderij The Sick Child (1886), gebaseerd op de dood van zijn zus, zijn eerste "soul painting" was, zijn eerste breuk met het impressionisme. Het schilderij kreeg een negatieve reactie van critici en van zijn familie, en veroorzaakte opnieuw een "gewelddadige uitbarsting van morele verontwaardiging" van de gemeenschap.

Alleen zijn vriend Christian Krohg verdedigde hem:

Hij schildert, of liever beschouwt, dingen op een manier die anders is dan die van andere kunstenaars. Hij ziet alleen het essentiële, en dat is natuurlijk alles wat hij schildert. Om deze reden zijn de foto's van Munch in de regel "niet compleet", zoals mensen zo graag zelf ontdekken. O ja, ze zijn compleet. Zijn complete handwerk. Kunst is compleet als de kunstenaar echt alles heeft gezegd waar hij aan dacht, en dit is precies het voordeel dat Munch heeft ten opzichte van schilders van de andere generatie, dat hij echt weet hoe hij ons moet laten zien wat hij heeft gevoeld en wat hem heeft aangegrepen, en hieraan maakt hij al het andere ondergeschikt.

Munch bleef in de jaren 1880 en begin 1890 een verscheidenheid aan penseelstreektechnieken en kleurenpaletten gebruiken, terwijl hij worstelde om zijn stijl te definiëren. Zijn idioom bleef schommelen tussen naturalistisch, zoals te zien in Portret van Hans Jæger, en impressionistisch, zoals in Rue Lafayette. Zijn Inger On the Beach (1889), dat opnieuw een storm van verwarring en controverse veroorzaakte, verwijst naar de vereenvoudigde vormen, zware contouren, scherpe contrasten en emotionele inhoud van zijn volwassen stijl die nog gaat komen. Hij begon zijn composities zorgvuldig te berekenen om spanning en emotie te creëren. Hoewel stilistisch beïnvloed door de postimpressionisten, was wat zich ontwikkelde een onderwerp dat symbolistisch van inhoud was en een gemoedstoestand weergeeft in plaats van een externe realiteit. In 1889 presenteerde Munch zijn eerste eenmansshow van bijna al zijn werken tot nu toe. De erkenning die het ontving, leidde tot een tweejarige staatsbeurs om in Parijs te studeren bij de Franse schilder Léon Bonnat.

Parijs

Munch arriveerde in Parijs tijdens de festiviteiten van de Exposition Universelle (1889) en had een kamer met twee andere Noorse kunstenaars. Zijn foto, Morning (1884), werd tentoongesteld in het Noorse paviljoen. Hij bracht zijn ochtenden door in de drukke studio van Bonnat (met vrouwelijke modellen) en middagen op de tentoonstelling, galerijen en musea (waar van studenten werd verwacht dat ze kopieën maakten als een manier om techniek en observatie te leren). Munch toonde weinig enthousiasme voor de tekenlessen van Bonnat - 'Het wordt moe en verveelt me ​​- het is verdomd' - maar genoot van het commentaar van de meester tijdens museumreizen.

Munch was in de ban van de enorme hoeveelheid moderne Europese kunst, waaronder de werken van drie kunstenaars die invloedrijk zouden blijken te zijn: Paul Gauguin, Vincent van Gogh en Henri de Toulouse-Lautrec - allemaal opmerkelijk vanwege de manier waarop ze kleur gebruikten om emoties over te brengen. Munch was vooral geïnspireerd door Gauguins "reactie tegen realisme" en zijn credo dat "kunst mensenwerk was en niet een imitatie van de natuur", een overtuiging die eerder door Whistler werd uitgesproken. Zoals een van zijn Berlijnse vrienden later over Munch zei, “hij hoeft niet naar Tahiti te gaan om het primitieve in de menselijke natuur te zien en te ervaren. Hij draagt ​​zijn eigen Tahiti in zich. "

In december stierf zijn vader, waardoor de familie van Munch berooid achterbleef. Hij keerde terug naar huis en regelde een grote lening van een rijke Noorse verzamelaar toen rijke familieleden niet hielpen, en nam vanaf dat moment de financiële verantwoordelijkheid voor zijn gezin op zich. Christians dood maakte hem depressief en hij werd geplaagd door zelfmoordgedachten: “Ik leef met de doden - mijn moeder, mijn zus, mijn grootvader, mijn vader… Dood jezelf en dan is het voorbij. Waarom leven? " Munch's schilderijen van het volgende jaar bevatten schetsmatige taveernescènes en een reeks heldere stadsgezichten waarin hij experimenteerde met de pointillistische stijl van Georges Seurat.

Berlijn

Tegen 1892 formuleerde Munch zijn karakteristieke en originele Synthetistische esthetiek, zoals te zien in Melancholy (1891), waarin kleur het met symbolen beladen element is. Melancholy, door de kunstenaar en journalist Christian Krohg beschouwd als het eerste symbolistische schilderij van een Noorse kunstenaar, werd in 1891 tentoongesteld op de herfsttentoonstelling in Oslo. In 1892 nodigde Adelsteen Normann, namens de Union of Berlin Artists, Munch uit om te exposeren op de november-tentoonstelling, de eerste eenmanstentoonstelling van de vereniging. Zijn schilderijen riepen echter een bittere controverse op (genaamd "The Munch Affair"), en na een week sloot de tentoonstelling. Munch was blij met de "grote commotie", en schreef in een brief: "Ik heb nog nooit zo'n leuke tijd gehad - het is ongelooflijk dat zoiets onschuldigs als schilderen zoveel opschudding heeft veroorzaakt."

In Berlijn raakte Munch betrokken bij een internationale kring van schrijvers, kunstenaars en critici, waaronder de Zweedse toneelschrijver en vooraanstaande intellectueel August Strindberg, die hij in 1892 schilderde. Tijdens zijn vier jaar in Berlijn schetste Munch de meeste ideeën die zouden bestaan ​​uit zijn belangrijkste werk, The Frieze of Life, oorspronkelijk ontworpen voor boekillustratie maar later uitgedrukt in schilderijen. Hij verkocht weinig, maar verdiende wat inkomen door toegangsprijzen te vragen om zijn controversiële schilderijen te bekijken. Munch toonde al een terughoudendheid om afstand te doen van zijn schilderijen, die hij zijn "kinderen" noemde.

Zijn andere schilderijen, waaronder casinoscènes, laten een vereenvoudiging van vorm en detail zien die zijn vroege volwassen stijl kenmerkte. Munch begon ook de voorkeur te geven aan een ondiepe picturale ruimte en een minimale achtergrond voor zijn frontale figuren. Omdat poses werden gekozen om de meest overtuigende beelden van gemoedstoestanden en psychologische toestanden te produceren, zoals in Ashes, verlenen de figuren een monumentale, statische kwaliteit. De figuren van Munch lijken rollen te spelen op een theaterpodium (Death in the Sick-Room), wiens pantomime van vaste houdingen verschillende emoties aanduiden; aangezien elk personage een enkele psychologische dimensie belichaamt, zoals in The Scream, begonnen de mannen en vrouwen van Munch meer symbolisch dan realistisch te lijken. Hij schreef: "Interieurs mogen niet langer worden geverfd, mensen lezen en vrouwen breien: er zouden levende mensen zijn die ademen en voelen, lijden en liefhebben."

De schreeuw (1893)

The Scream bestaat in vier versies: twee pastels (1893 en 1895) en twee schilderijen (1893 en 1910). Er zijn ook verschillende litho's van The Scream (1895 en later). De pastel uit 1895 werd op 2 mei 2012 op een veiling verkocht voor $ 119,922,500, inclusief commissie. Het is de meest kleurrijke versie en onderscheidt zich door de neerwaarts gerichte houding van een van de achtergrondfiguren. Het is ook de enige versie die niet in het bezit is van een Noors museum. De versie uit 1893 werd in 1994 gestolen uit de National Gallery in Oslo en teruggevonden. Het schilderij uit 1910 werd in 2004 gestolen uit The Munch Museum in Oslo, maar werd in 2006 met beperkte schade teruggevonden.

The Scream is het beroemdste werk van Munch en een van de meest herkenbare schilderijen in alle kunst. Het is algemeen geïnterpreteerd als de universele angst van de moderne mens. Beschilderd met brede banden van felle kleuren en sterk vereenvoudigde vormen, en vanuit een hoog standpunt, reduceert het de gekwelde figuur tot een geklede schedel in de greep van een emotionele crisis.

1893. Edvard Munch (1863-1944). De Schreeuw.

Met dit schilderij heeft Munch zijn gestelde doel bereikt: "de studie van de ziel, dat wil zeggen de studie van mijn eigen zelf". Munch schreef over hoe het schilderij tot stand kwam: “Ik liep met twee vrienden over de weg toen de zon onderging; plotseling werd de lucht zo rood als bloed. Ik stopte en leunde tegen het hek, voelde me onuitsprekelijk moe. Tongen van vuur en bloed strekten zich uit over de blauwzwarte fjord. Mijn vrienden liepen door, terwijl ik rillend van angst achterbleef. Toen hoorde ik de enorme, oneindige schreeuw van de natuur. " Later beschreef hij het persoonlijke leed achter het schilderij: "Ik was een aantal jaren bijna gek ... Ken je mijn foto, 'De schreeuw?' Ik was tot het uiterste uitgerekt - de natuur schreeuwde in mijn bloed ... Daarna gaf ik de hoop op ooit weer lief te kunnen hebben. "

Om de effecten van het schilderij samen te vatten, zei auteur Martha Tedeschi: “Whistler's Mother, Wood's American Gothic, Leonardo da Vinci's Mona Lisa en Edvard Munch's The Scream hebben allemaal iets bereikt dat de meeste schilderijen hebben bereikt - ongeacht hun kunsthistorische belang, schoonheid of geldelijke waarde. waarde - hebben niet: ze communiceren vrijwel onmiddellijk een specifieke betekenis aan bijna elke kijker. Deze paar werken hebben met succes de overgang gemaakt van het elite-rijk van de museumbezoeker naar de enorme locatie van de populaire cultuur. "

Frieze of Life - Een gedicht over leven, liefde en dood

In december 1893 was Unter den Linden in Berlijn de locatie van een tentoonstelling van het werk van Munch, met onder meer zes schilderijen getiteld Study for a Series: Love. Hiermee begon een cyclus die hij later de Frieze of Life noemde - A Poem about Life, Love and Death. "Frieze of Life" -motieven, zoals The Storm en Moonlight, zijn doordrenkt van sfeer. Andere motieven belichten de nachtelijke kant van liefde, zoals Rose en Amelie en Vampire. In Death in the Sickroom is het onderwerp de dood van zijn zus Sophie, die hij in vele toekomstige variaties heeft herwerkt. De dramatische focus van het schilderij, dat zijn hele familie uitbeeldt, is verspreid in de afzonderlijke en losgekoppelde figuren van verdriet. In 1894 breidde hij het spectrum van motieven uit door Anxiety, Ashes, Madonna en Women in Three Stages (van onschuld tot ouderdom) toe te voegen.

Rond het begin van de 20e eeuw werkte Munch om de “Frieze” af te werken. Hij schilderde een aantal schilderijen, waarvan een aantal op groter formaat en tot op zekere hoogte met de Art Nouveau-esthetiek van die tijd. Voor het grote schilderij Metabolism (1898), aanvankelijk Adam en Eva geheten, maakte hij een houten lijst met uitgesneden reliëfs. Dit werk onthult de preoccupatie van Munch met de "val van de mens" en zijn pessimistische filosofie van liefde. Motieven zoals The Empty Cross en Golgotha ​​(beide ca. 1900) weerspiegelen een metafysische oriëntatie, en weerspiegelen ook de piëtistische opvoeding van Munch. De hele fries werd voor het eerst getoond op de secessionistische tentoonstelling in Berlijn in 1902.

De thema's 'The Frieze of Life' komen terug in het werk van Munch, maar hij concentreerde zich er vooral op in het midden van de jaren 1890. In schetsen, schilderijen, pastelkleuren en prenten tikte hij de diepten van zijn gevoelens aan om zijn belangrijkste motieven te onderzoeken: de levensfasen, de femme fatale, de hopeloosheid van liefde, angst, ontrouw, jaloezie, seksuele vernedering en scheiding in het leven en dood. Deze thema's komen tot uiting in schilderijen als The Sick Child (1885), Love and Pain (retitled Vampire; 1893-94), Ashes (1894) en The Bridge. De laatste toont slappe figuren met karakterloze of verborgen gezichten, waarboven de dreigende vormen van zware bomen en broeierige huizen opdoemen. Munch portretteerde vrouwen als zwakke, onschuldige patiënten (zie Puberteit en liefde en pijn) of als de oorzaak van groot verlangen, jaloezie en wanhoop (zie Afscheiding, jaloezie en as).

Munch gebruikt vaak schaduwen en kleurringen rond zijn figuren om een ​​aura van angst, dreiging, bezorgdheid of seksuele intensiteit te benadrukken. Deze schilderijen zijn geïnterpreteerd als weerspiegelingen van de seksuele angsten van de kunstenaar, hoewel men ook zou kunnen stellen dat ze zijn turbulente relatie met de liefde zelf en zijn algemene pessimisme over het menselijk bestaan ​​vertegenwoordigen. Veel van deze schetsen en schilderijen zijn gemaakt in verschillende versies, zoals Madonna, Hands and Puberty, en ook getranscribeerd als houtblokprenten en litho's. Munch vond het vreselijk om afstand te doen van zijn schilderijen omdat hij zijn werk als één geheel van expressie beschouwde.

Dus om van zijn productie te profiteren en wat inkomen te verdienen, wendde hij zich tot grafische kunsten om veel van zijn beroemdste schilderijen te reproduceren, waaronder die in deze serie. Munch gaf toe dat hij de persoonlijke doelen van zijn werk had, maar hij bood zijn kunst ook aan voor een breder doel: “Mijn kunst is in feite een vrijwillige bekentenis en een poging om mijn relatie met het leven aan mezelf uit te leggen - het is daarom eigenlijk een soort egoïsme. , maar ik hoop constant dat ik hierdoor anderen kan helpen duidelijkheid te scheppen. "

Hoewel hij sterk negatieve reacties opriep, begon Munch in de jaren 1890 enig begrip te krijgen van zijn artistieke doelen, zoals een criticus schreef: 'Met meedogenloze minachting voor vorm, helderheid, elegantie, heelheid en realisme, schildert hij het meest met intuïtieve kracht van talent. subtiele visioenen van de ziel. " Een van zijn grote aanhangers in Berlijn was Walther Rathenau, later de Duitse minister van Buitenlandse Zaken, die sterk heeft bijgedragen aan zijn succes.

Parijs, Berlijn en Christiania

In 1896 verhuisde Munch naar Parijs, waar hij zich toelegde op grafische weergaven van zijn "Frieze of Life" -thema's. Hij ontwikkelde zijn houtsnede en lithografische techniek verder. Munch's Zelfportret met skeletarm (1895) is gemaakt met een etsnaald-en-inktmethode die ook door Paul Klee wordt gebruikt. Munch produceerde ook veelkleurige versies van "The Sick Child" die goed verkochten, evenals verschillende naakten en meerdere versies van Kiss (1892). Veel van de Parijse critici beschouwden het werk van Munch nog steeds als "gewelddadig en wreed", maar zijn tentoonstellingen kregen serieuze aandacht en werden goed bezocht. Zijn financiële situatie verbeterde aanzienlijk en in 1897 kocht Munch voor zichzelf een zomerhuis met uitzicht op de fjorden van Christiania, een kleine vissershut gebouwd in de late 18e eeuw, in het kleine stadje Åsgårdstrand in Noorwegen. Hij noemde dit huis het "Happy House" en keerde hier de komende 20 jaar bijna elke zomer terug. Het was deze plek die hij miste toen hij in het buitenland was en in de periodes dat hij zich depressief en uitgeput voelde. "Wandelen in Åsgårdstrand is als wandelen tussen mijn schilderijen - ik raak zo geïnspireerd om te schilderen als ik hier ben".

In 1897 keerde Munch terug naar Christiania, waar hij ook met tegenzin werd geaccepteerd - een criticus schreef: 'Een behoorlijk aantal van deze foto's is eerder tentoongesteld. Naar mijn mening verbeteren deze bij de kennismaking. " In 1899 begon Munch een intieme relatie met Tulla Larsen, een "bevrijde" vrouw uit de hogere klasse. Ze reisden samen naar Italië en bij hun terugkeer begon Munch een nieuwe vruchtbare periode in zijn kunst, waaronder landschappen en zijn laatste schilderij in de serie "The Frieze of Life", The Dance of Life (1899). Larsen wilde graag trouwen en Munch smeekte.

Zijn alcoholgebruik en zijn slechte gezondheid versterkten zijn angsten, zoals hij in de derde persoon schreef: 'Al van kinds af aan had hij een hekel aan het huwelijk. Zijn zieke en nerveuze huis had hem het gevoel gegeven dat hij niet het recht had om te trouwen. " Munch gaf bijna toe aan Tulla, maar vluchtte in 1900 voor haar weg, keerde zich ook af van haar aanzienlijke fortuin en verhuisde naar Berlijn. Zijn Girls on the Jetty, gemaakt in achttien verschillende versies, demonstreerden het thema van de vrouwelijke jeugd zonder negatieve connotaties. In 1902 exposeerde hij zijn werken thematisch in de hal van de Berlin Secession, en produceerde "een symfonisch effect - het veroorzaakte grote opschudding - veel vijandigheid - en veel goedkeuring." De Berlijnse critici begonnen het werk van Munch te waarderen, hoewel het publiek zijn werk nog steeds vreemd en vreemd vond.

1902-1903. Edvard Munch (1863-1944). Zomernacht op het strand. Zien Marina Fistoulari Mahler (1943).

De goede berichtgeving in de pers trok Munch de aandacht van de invloedrijke opdrachtgevers Albert Kollman en Max Linde. Hij beschreef de gang van zaken in zijn dagboek: "Na twintig jaar van strijd en ellende komen de goede krachten mij eindelijk te hulp in Duitsland - en er gaat een heldere deur voor mij open." Ondanks deze positieve verandering betekende het zelfvernietigende en grillige gedrag van Munch hem eerst een gewelddadige ruzie met een andere kunstenaar, daarna een toevallige schietpartij in aanwezigheid van Tulla Larsen, die was teruggekeerd voor een korte verzoening, waarbij twee van zijn vingers. Ze verliet hem uiteindelijk en trouwde met een jongere collega van Munch. Munch vatte dit op als een verraad, en hij bleef nog een tijdje stilstaan ​​bij de vernedering, waarbij hij een deel van de bitterheid in nieuwe schilderijen konaliseert. Zijn schilderijen Still Life (The Murderess) en The Death of Marat I, gemaakt in 1906-1907, verwijzen duidelijk naar het schietincident en de emotionele nawerkingen.

In 1903-1904 exposeerde Munch in Parijs, waar de komende fauvisten, beroemd om hun moedig valse kleuren, waarschijnlijk zijn werken zagen en er mogelijk inspiratie in hebben gevonden. Toen de Fauves in 1906 hun eigen tentoonstelling hielden, werd Munch uitgenodigd en toonde hij zijn werken met die van hen. Na het bestuderen van de sculptuur van Rodin, heeft Munch misschien geëxperimenteerd met plasticine als hulpmiddel bij het ontwerpen, maar hij produceerde weinig sculpturen. Gedurende deze tijd ontving Munch veel opdrachten voor portretten en prenten, wat zijn meestal precaire financiële toestand verbeterde. In 1906 schilderde hij het scherm voor een Ibsen-toneelstuk in het kleine Kammerspiele-theater in Berlijn Deutsches Theater, waarin de Frieze of Life werd opgehangen. De directeur van het theater, Max Reinhardt, verkocht het later; het is nu in de Nationalgalerie van Berlijn. Na een eerdere periode van landschappen richtte hij in 1907 zijn aandacht weer op menselijke figuren en situaties.

1907. Edvard Munch (1863-1944). Het zieke kind.

Uitval en herstel

In de herfst van 1908 was Munch's angst, verergerd door overmatig drinken en ruzie, acuut geworden. Zoals hij later schreef: "Mijn toestand was bijna waanzinnig - het was aanraken en gaan." Onderworpen aan hallucinaties en gevoelens van vervolging, ging hij de kliniek van Dr. Daniel Jacobson binnen. De therapie die Munch de volgende acht maanden ontving, omvatte dieet en "elektrificatie" (een behandeling die toen populair was voor zenuwaandoeningen, niet te verwarren met elektroconvulsietherapie). Het verblijf van Munch in het ziekenhuis stabiliseerde zijn persoonlijkheid en na zijn terugkeer naar Noorwegen in 1909 werd zijn werk kleurrijker en minder pessimistisch. Zijn humeur nog meer opfleuren, het grote publiek van Christiania werd eindelijk warm voor zijn werk en musea begonnen zijn schilderijen te kopen. Hij werd benoemd tot Ridder in de Koninklijke Orde van St. Olav “voor diensten in de kunst”. Zijn eerste Amerikaanse tentoonstelling was in 1912 in New York.

1912. Edvard Munch (1863-1944).

Als onderdeel van zijn herstel adviseerde Dr. Jacobson Munch om alleen met goede vrienden om te gaan en niet in het openbaar te drinken. Munch volgde dit advies op en maakte daarbij verschillende lange portretten van hoge kwaliteit van vrienden en opdrachtgevers - eerlijke portretten zonder vleierij. Hij creëerde ook landschappen en scènes van mensen aan het werk en in de vrije tijd, waarbij hij een nieuwe optimistische stijl gebruikte - brede, losse penseelstreken van levendige kleuren met veelvuldig gebruik van witruimte en zeldzaam gebruik van zwart - met slechts af en toe verwijzingen naar zijn morbide thema's. Met meer inkomen kon Munch verschillende panden kopen, waardoor hij nieuwe vergezichten voor zijn kunst kreeg en eindelijk kon hij voor zijn gezin zorgen.

Bij het uitbreken van de Eerste Wereldoorlog had Munch verdeelde loyaliteit, zoals hij zei: "Al mijn vrienden zijn Duits, maar ik houd van Frankrijk." In de jaren dertig verloren zijn Duitse beschermheren, veel joden, hun fortuin en sommigen hun leven tijdens de opkomst van de nazi-beweging. Munch vond Noorse drukkers om de Duitsers te vervangen die zijn grafische werk hadden gedrukt. Gezien zijn slechte gezondheidsgeschiedenis voelde Munch zich in 1930 gelukkig dat hij een aanval van de Spaanse griep, de wereldwijde pandemie van dat jaar, had overleefd.

Latere jaren

Munch bracht het grootste deel van zijn laatste twee decennia in eenzaamheid door op zijn bijna zelfvoorzienende landgoed in Ekely, in Skøyen, Oslo. Veel van zijn late schilderijen vieren het boerenleven, waaronder een aantal waarin hij zijn werkpaard "Rousseau" als model gebruikte. Zonder enige moeite trok Munch een gestage stroom vrouwelijke modellen aan, die hij schilderde als onderwerp van talloze naaktschilderijen. Hij had waarschijnlijk seksuele relaties met sommigen van hen. Munch verliet af en toe zijn huis om in opdracht muurschilderingen te schilderen, waaronder die voor de chocoladefabriek Freia.

Tot het einde van zijn leven bleef Munch onopvallende zelfportretten schilderen, wat bijdroeg aan zijn zelfonderzoekende cyclus van zijn leven en zijn onwankelbare reeks overnemen van zijn emotionele en fysieke toestand. In de jaren dertig en veertig bestempelden de nazi's het werk van Munch als "gedegenereerde kunst" (samen met dat van Picasso, Paul Klee, Matisse, Gauguin en vele andere moderne kunstenaars) en verwijderden zijn 1930 werken uit Duitse musea. Adolf Hitler kondigde in 1940 aan: "Wat ons allemaal kan schelen, die barbaren en kunststotteraars uit de prehistorische steentijd kunnen terugkeren naar de grotten van hun voorouders en daar hun primitieve internationale krabben toepassen."

Edvard Munch (1863-1944).

In 1940 vielen de Duitsers Noorwegen binnen en nam de nazi-partij de regering over. Munch was 76 jaar oud. Met bijna een volledige collectie van zijn kunst op de tweede verdieping van zijn huis, leefde Munch in angst voor een nazi-confiscatie. Eenenzeventig van de schilderijen die eerder door de nazi's waren meegenomen, waren door middel van aankoop door verzamelaars naar Noorwegen teruggebracht (de andere elf werden nooit teruggevonden), waaronder The Scream en The Sick Child, en ook zij waren verborgen voor de nazi's.

Munch stierf in zijn huis in Ekely bij Oslo op 23 januari 1944, ongeveer een maand na zijn 80ste verjaardag. Zijn door de nazi's georkestreerde begrafenis suggereerde de Noren dat hij een nazi-sympathisant was, een soort toe-eigening van de onafhankelijke kunstenaar. De stad Oslo kocht het landgoed Ekely in 1946 van de erfgenamen van Munch; zijn huis werd in mei 1960 afgebroken. 

Grote werken

  • 1892: Avond over Karl Johan.
  • 1893: The Scream.
  • 1894: Ashes.
  • 1894-1895: Madonna.
  • 1895: Puberteit.
  • 1895: Zelfportret met brandende sigaret.
  • 1895: Dood in de ziekenkamer.
  • 1899–1900: The Dance of Life.
  • 1899–1900: The Dead Mother.
  • 1903: Village in Moonlight.
  • 1940–1942: Zelfportret: tussen klok en bed.

Als u fouten heeft gevonden, laat het ons dan weten door die tekst te selecteren en op te drukken Ctrl + Enter.

Spelfoutenrapport

De volgende tekst wordt naar onze redactie gestuurd: